Crossroads Guitar Festival 2013 - Eric Clatpon

El Crossroads Guitar Festival organizado por Eric Clapton es a estas alturas todo un clásico. Se trata de un festival benéfico para el Crossroads Centre, un instituto destinado a la rehabilitación de las adicciones fundado por Eric Clapton. Este festival que cuenta ya con cuatro ediciones (organizadas cada tres años: 2004, 2007, 2010 y 2013) reúne a la mejor selección de guitarristas contemporáneos de la escena de blues y rock. Entre los músicos que pasaron por sus escenarios desde que comenzó a organizarse se cuentan a Robert Cray, Eric Johnson, Buddy Guy, BB King, John McLaughlin y la lista podría seguir y seguir.

Entre jóvenes promesas y artistas ya consagrados que se reunieron en la última edición organizada en el Madison Square Garden de Nueva York en abril de 2013 se encuentran Booker T., Robert Cray, Buddy Guy, Gary Clark Jr, Jimmy Vaughan, Taj Mahal, Keb Mo’ y otros tantos. ¿Qué esperar cuando figuras de este tamaño se encuentran en un escenario? Simplemente muy buena música. Este disco –doble, dicho sea de paso– destaca por una característica casi elemental y que, paradójicamente, no es muy usual hoy día: su simpleza. Lejos de experimentos, de apuestas estéticas arriesgadas y excentricidades en este trabajo encontramos grandes músicos, grandes intérpretes que suben al escenario hacen lo mejor que saben: tocar. Además es una oportunidad para que nuevas generaciones puedan conocer (y ¡ver! para quien tiene la oportunidad de asistir) a leyendas vivientes de la música popular del siglo veinte. Vaya como ejemplo de esto, la canción que cierra el primer disco: “Why Does Love Got To Be So Sad” interpretada por Eric Clapton y The Allman Brothers (en su formación actual).
Es muy difícil destacar los mejores momentos de un trabajo parejo y bien ejecutado de principio a fin. Quien lo escuche encontrará sus preferencias, pero quizá haya momentos en los que todos los fanáticos de las guitarras coincidan. Me refiero a “Congo Square” interpretada por Sonny Landreth & Derek Trucks o a la versión de “Key To The Highway” que Eric Clapton toca junto a otra leyenda, Keith Richards. No todos los días se puede escuchar a dos pilares del blues y rock del siglo XX tocando juntos, y esta es una oportunidad inmejorable. Decir que la manera de tocar de Eric Clapton es única resulta casi evidente, pero lo que resulta reconfortante para sus admiradores es escucharlo en plena forma. Así se lo puede apreciar en los dos temas que cierran el disco “Got To Get Better In A Little While” y  “Sunshine of Your Love”. Lo único que se puede hacer frente a un trabajo así es recomendarlo y pedir por muchos más recitales así. "See you in three years..." dijo Clapton al finalizar el concierto. Aquí estaremos, esperando.

Robert Cray - In My Soul

"In My Soul" de Robert Cray es una de las novedades que el 2014 trae para los seguidores de este genial guitarrista, y para los amantes del blues en general. Este material no decepciona, se trata del ejemplo de un sonido muy definido, un sonido que a estas alturas podemos llamar "el sonido Cray", muestra de una maduración y una identidad bien definida. El título del álbum, "In my soul", revela bastante de lo que vamos a encontrar allí. Se trata de un disco lleno de soul. El toque blusero característico de este versátil y experimentado guitarrista se enriquece con un aire soul que recorre de manera pareja todas las canciones de esta placa, la número veintiuno de su carrera. Este nuevo trabajo puede entenderse además como un viaje a las influencias del propio Cray, influencias que nos llevan a los años sesenta y setenta. En homenaje a ellas es que podemos encontrar versiones de Otis Reding (Nobody's Fault But Mine) y de Isaac Hayes (Your Good Thing Is About To End), pero también temas propios de Cray que están a la altura de las circunstancias.

Este guitarrista, varias veces ganador del premio Grammy, demuestra una vez más que merece los elogios que desde hace tiempo viene cosechando. "In My Soul" es un álbum parejo desde todo punto de vista. No sólo encuentra una coherencia perfecta entre covers y composiciones propias, sino que la impronta soul se percibe de principio a fin (incluso, la tapa del disco tiene un diseño vintage que alude a los años sesenta). Entre los temas más interesantes se encuentran "Nobody's Fault But Mine" con un claro sonido con reminiscencias soul y funk de los años setenta, y “Hold On”, la balada más seuptempo al disco en general. En definitiva, "In My Soul" es un disco que disfrutaran tanto amantes del blues como del soul. Una muestra cabal de la vigencia de Robert Cray y un viaje a una época musical que vale la pena investigar.

ntida de todo el disco. Precisamente, las baladas tienen un lugar especial en este trabajo. Canciones como "Fine Yesterday", "Hold On" y "Deep in My Soul" son ejemplo de ello. También la sección de vientos es una de las estrellas de esta nueva producción, "Nobody's Fault But Mine" y "Deep in My Soul" lo demuestran. Por último, el tema instrumental "Hip Tight Onions" revela un notable trabajo de Dover Weinberg en el Hammond y agrega un momento uptempo al disco en general. En definitiva, "In My Soul" es un disco que disfrutaran tanto amantes del blues como del soul. Una muestra cabal de la vigencia de Robert Cray y un viaje a una época musical que vale la pena investigar.

Robert Cray (01/08/1953 - Columbus, Georgia. EEUU) es un guitarrista de blues estadounidense, cinco veces ganador del premio Grammy y con más de veinte discos en su carrera. Entre sus trabajos más conocidos se cuenta "Strong Persuader" (1986). "In My Soul" (2014) es su último trabajo.

Hugh Laurie - Didn't It Rain (Warner Music Entertainment, 2013)

Los segundos discos suelen ser, sobre todo si su predecesor fue un rotundo éxito, un intento de consolidar un sonido y mostrar que lo anterior no había sido pura suerte. “Didn’t It Rain”, el segundo disco de Hugh Laurie intenta ser ese trabajo que lo consolide en el rico y abundante panorama del blues. Sin embargo, este disco tal vez deba ser valorado no sólo por el intento de hacerse un lugar en el blues contemporáneo, sino además -y creo sobre todo- por los riesgos que se anima a correr.

Este disco también se trata de una recopilación de temas y standards clásicos del blues. Laurie había intentado esta formula en su disco anterior, “Let Them Talk”. Entonces como ahora la selección funciona perfectamente. Los temas seleccionados cumplen al menos dos objetivos: se adaptan perfectamente a la voz y al estilo Laurie y sirven como una interesante muestra del rico material que el blues al estilo New Orleans tiene para ofrecer. En "Didn't It Rain" se pueden apreciar composiciones de W.C. Handy (“The St. Louis Blues”), Dr. John (“Wild Honey”), Joe McCoy (“The Weed Smoker`s Dream”) y Sister Rosetta Tharpe (“Didn't it rain”).

Todas estas composiciones son ejecutadas de una manera inmejorable por Laurie y sus acompañantes: su banda, the Copper Bottom Band y sus tres escoltas de lujo, Taj Mahal, Gaby Moreno y Jean McClain. Estos tres invitados aportan sus voces en momentos claves el disco dándole un matiz en donde reside gran parte de la riqueza de este disco. El desempeño vocal es la estrella de la segunda placa de Hugh Laurie, sobre todo si consideramos el fantástico trabajo que hizo Jean McClain cantando cuatro temas de este disco (“The St. Louis Blues”, “Send me to the 'lectric chair”, “I Hate a man like you” y “Didn't it rain”). El desempeño de Gaby Moreno (“Kiss of Fire” y “Didn't It Rain”) y Taj Mahal (“Vicksburg blues”) contribuyen a enriquecer los matices que este material tiene para ofrecer. La voz de Laurie, aunque no tiene el color típico del blues, no defrauda en ningún momento.“Didn't It Rain” ofrece distintos momentos que se encuentran muy bien equilibrados. Baladas sentidas como “Careless love” o “I hate a man like you” se conjugan adecuadamente con temas más up tempo como “Wild Honey” o “Didn't Rain” –a nuestro juicio los dos momentos más interesantes de este album.

Pero lo más destacable de “Didn't It Rain” nos pareció los riesgos que tomó. Las cercanías con el jazz que se perciben aquí pueden ser perfectamente explicables por las  características del blues de New Orleans, en cambio, nada parecería explicar los coqueteos que este disco tiene expresamente con el tango. Desde la introducción de “The St. Louis Blues” pueden sentirse ciertas alusiones al tango, alusiones que se convierten en explícitas señales cuando la voz de Gaby Moreno inicia “Kiss of Fire” cantando en perfecto español los primeros versos de “El Choclo” de Enrique Santos Discépolo. Tal vez este experimento suene extraño a muchos bluseros, pero no deja de haber ahí la necesidad de reconocer un riesgo que sirve como cifra de todo el disco. Todo esto convierte a “Didn’t It Rain” en un trabajo muy (pero muy) poco usual en estos días.

Robin Trower - Roots and Branches (Manhaton, 2013)

¿Qué mejor homenaje se le puede hacer al blues sino volver a las raíces? Así lo entiende el legendario guitarrista inglés Robin Trower en su último trabajo, titulado precisamente "Roots and Branches". El disco se compone enteramente de covers que alcanzan a los exponentes más importantes del blues y del rock del siglo pasado. En la guitarra de Trower se encuentran “Big Mama” Thornton y Albert King, Willie Dixon y BB King, Gary Moore y Elvis Presley. Con este material, Trower se las ingenia para componer un muy balanceado y accesible trabajo de blues rock en el mejor sentido del término. Se trata de un disco poco usual, no por ninguna extravagancia, sino justamente por lo contrario: es un trabajo sencillo, honesto que atrae la atención desde los primeros compases. 

Al tratarse de una de las leyendas vivas del blues existe por supuesto en este trabajo varios aspectos a destacar. La voz de Trower es sin duda uno de ellos. Los sesenta y ocho años del guitarrista parecen no haber hecho la menor mella en su voz, la cual siempre aparece precisa (sobre todo en "When I Heard Your Name") y encajando de manera perfecta en el contexto del disco. El registro expresivo que maneja es envidiable: Trower puede surgir con un voz propiamente blusera, como lo hace en su versión de "Little Red Rooster" o puede adecuarse a lo que exige una balada como en "I Belive To My Soul". Pero sin dudas es la guitarra el elemento central del disco. Esta placa muestra una guitarra versátil y experimentada, igual de efectiva en las varias de las sentidas baladas que tiene el disco ("I Believe To My Soul","Save Your Love" y "Sheltered Moon") como en temas más propios del blues rock ( "When I Heard Your Name", "That's Alright Mama", "Born Under A Bad Sign" y "See My Life"). Robin Trower encuentra en este disco un sonido muy propio, marcado por un uso muy particular de recursos al momento de acercarse a la guitarra. Notables estiradas ("The Thrill is Gone", "Hound Dog"), bases distorsionadas y hasta una inusual presencia de wah-wah en temas de blues ("Sheltered Moon" y "See My Life") son parte de los recursos que Trower pone a disposición para conseguir un sonido notable y para constituirse en un momento de enseñanza para aquellos aspirantes a guitarristas de blues. Trower enseña que menos es más: a veces sólo un puñado de buenas notas en el momento preciso basta para poder decir algo interesante. Este disco –el número diecinueve en su carrera solista–  está decididamente a la altura de las exigencias de todo buen blusero.

N.A.

Robben Ford – Bringing It Back Home (Provogue, 2013)

Un sonido, una identidad musical no es azarosa; es el trabajo de años asimilando experiencias, influencias y aprendizajes. Robben Ford es un ejemplo de este trabajo. En el estilo de Ford se encuentran estilos de lo más variados: desde el funk, pasando por el jazz hasta llegar al blues, sin dejar de lado por supuesto toques de pop o incluso algo de rock. Eclecticismo en un estado puro. Algo de esto podemos encontrar en su más reciente trabajo, "Bringing It Back Home". Se trata de un album de covers, donde se versionan temas de una amplia gama de compositores: desde Allen Toussaint hasta Earl King pasando por composiciones tradicionales como "On That Morning". Se trata de un album que se balancea entre momentos funk ("Everything I Do Gonna Be Funk") y momentos más bluseros ("BirdsNest Bound". "Slick Carper Blues" y "Fool's paradise") sin olvidar pasajes eminentemente jazzeros ("Traveler's Waltz"). 

No encontraremos aquí una guitarra virtuosa y velocista. Por el contrario, este trabajo de Ford se encarga de generar un ambiente más relajado con una guitarra siempre precisa que no se arriesga a desperdiciar ni una sola nota. El trabajo vocal de Ford es impecable y esta apoyado por excelentes secciones de vientos a cargo de del trombonista  Stephen Baxter. También hay que destacar el fantástico trabajo que hace Larry Goldings a cargo del Hammond B3, el cual puede apreciarse en "Oh, Virginia" o "Slick Capers Blues". Con todo, los fanáticos de las seis cuerdas podrán encontrar pasajes más que interesantes en este disco de Ford. "Traveler's Blues" es una tema instrumental, una balada blues con notas octavadas y con claras reminiscencias de jazz que muestran de lo que es capaz Robben Ford.

Quienes busquen blues en este trabajo (por lo menos, el blues tradicional), tal vez no lo encuentren en las cantidades deseadas, pero no deja de ser una buena oportunidad de apreciar la versatilidad de un guitarrista que tiene, por derecho propio, ganado un lugar entre los mejores exponentes actuales.

N.A.

El Futuro del Blues II

Hablar del futuro del blues implica revisar su historia. El blues -otro tanto se puede decir del jazz- ha estado desde sus orígenes en constante movimiento, en una evolución no siempre lineal y con tangentes más que interesantes. Desde el blues del Delta, pasando por sus variantes de New Orleans, su etapa eléctrica de Chicago, hasta su particular versión texana, este género no ha cesado de innovar en los más diversos aspectos. Los cambios han sido tantos que quizás no podamos pensar al blues como un género homogéneo y monolítico. Lo que une sin embargo a expresiones tan diferentes es una cierta cadencia, un sentimiento preciso y la búsqueda de una particular forma de expresión. De allí que llamemos blues tanto a las precarias guitarras del sur  de Estados Unidos a principios del siglo XX como las sofisticadas big bands de los setenta.

Y, ¿el futuro del blues? Difícil es saberlo con precisión. Podemos, sin embargo, imaginar escenarios bastante plausibles. En su recorrido histórico el blues ha tenido encuentros interesantes con otros géneros: con el jazz, con el gospel, con el rhythm & blues y, sobre todo, con el rock 'n' roll. Esta última tendencia no ha hecho sino crecer en los últimos tiempos. Muchísimas son las bandas que cultivan el rock que reconocen la influencia que en ellas ha tenido el blues (que podamos notar esa influencia es otra discusión). Por otro lado, esta relación es tan estrecha que hoy es casi impensable encontrar un músico de blues que no transite al mismo tiempo los caminos del rock (¿Es Joe Bonamassa un guitarrista de blues o de rock?). No puedo imaginar el futuro del blues disociado del rock, tal vez en el futuro esta relación no haga sino estrecharse hasta convertirse en un mismo y único género. Un ejemplo de una fusión perfecta entre blues y rock es el trabajo de la más que atendible banda estadounidense The Black Keys. Con un sonido fuerte que nada tiene que envidiarle al grunge en su época de mayor esplendor y con letras que parecen querer recuperar la mística de los grandes letristas del blues, esta banda se abre camino en un terreno no tan explorado. En su discografía el blues está siempre presente, pero reinterpretado con un sonido en clave contemporánea. No glorifican al blues dejándolo intacto, lo toman y lo convierten en otra cosa, en algo nuevo. No me extrañará cuando, en el futuro, escuche a algún músico de blues-rock diciendo que “The Big Come Up” (el disco debut de The Black Keys) lo decidió a interesarse por este género ya centenario.

N.A.

El Futuro del Blues

La respuesta a esta pregunta solo el blues la podrá dar y todos aquellos, ya sean músicos, oyentes fanáticos y/o los pertenecientes a la industria discográfica, podrán hacer mucho o poco para su difusión y la expansión de este genero musical pero la respuesta y la esperanza están en que la música, y en este caso el blues, siga trascendiendo épocas, modas y fronteras y permanezca por siempre en los oídos y en los corazones de todos los que nos gusta y amamos escuchar esta música en particular.
Si bien hoy el blues cada día esta más alejado de sus raíces, y las condiciones sociales y económicas históricas que contextualizaron al blues en sus comienzos hoy ya no existen, también pienso que hoy quizás estamos presenciando y vivenciando un momento de resignificación y nuevas síntesis o aportes musicales que confluyen y dan nuevos sonidos al blues.
Así como a fines del siglo XIX el blues se conformó y se nutrió de aportes de tradiciones musicales diversas -las traídas de África por los esclavos negros destinados a trabajar en  las plantaciones del sur de los Estados Unidos, las adaptaciones de viejas canciones folklóricas europeas e incluso de los indígenas nativos de America del Norte- hoy el blues esta siendo interpretado e influenciado por nuevos aportes  musicales y por nuevos músicos que abordan el blues y aportan el bagaje de sus muchas influencias musicales (rock, reggae ,etc.) y que van transformando y enriqueciendo al blues, en lo que muchos ya lo piensan o reconocen como una especie de nuevo folklore internacional.
Pensar, escuchar e interpretar  el blues  hoy es el mismo nuevo desafío de siempre, el desafío de seguir escuchando el inmenso legado de esta música, en las interpretaciones  de los clásicos del blues de hace mas de cien años a esta parte, y también de seguir con la mente, el corazón y el oído atento y predispuesto a escuchar los nuevos sonidos y las nuevas propuestas de los artistas de blues actuales, ya que cada vez es mas  numeroso el publico ávido de seguir escuchando todo lo que aún hoy el blues tiene para dar.
Esto sucederá mientras se cumpla con una condición, que como en muy pocos otros géneros musicales es una exigencia a cumplir, que el blues se entienda y se interprete con la pasión y la autenticidad que siempre caracterizo a esta música y que la misma siga reflejando eternamente el dolor y la alegría de un ser humano recorriendo los caminos  de la vida misma, o sea el blues la música que siempre vuelvo a elegir para seguir recorriendo ese camino.

El Maldito Sr. Blues.

Los Rolling Stones y el blues

"La mayor emoción para nosotros es que Bo Diddley esté en el cartel" 

Brian Jones

Este año que nos deja fue testigo del cumplimiento del 50 aniversario de la primera actuación de los Rolling Stones en el Markee Club allá por 1962. En el medio de tantos homenajes y evocaciones, un matutino de alcance nacional lanzó 12 fascículos con la historia de esta mítica banda contada por, nada más y nada menos, que el ex-stone Bill Wyman. Las entregas son realmente interesantes, las anécdotas contadas "desde dentro" por este gran bajista, son acompañadas por fotografías, recortes periodísticos, reproducciones de afiches y entradas y citas de músicos, amigos y productores discográficos, entre otros.
La banda que hoy se se ha convertido en un ícono del Rock (tanto por su estética musical como por lo excesos que rodean a sus integrantes) comenzó su carrera tocando blues. En la Inglaterra de post-guerra todos los días había un show distinto (Sí, todos los días en 1962!!!). Los clubes habrían sus puertas al público y sus escenarios a incipientes bandas de jazz y blues que derrochaban talento y promesas por unos pocos peniques. Acá figuran los nombres de todos aquellos que hicieron a la gran revolución cultural del Rock de los 60, Page, Gilmour, Beck, Clapton, y una lista que se confunde con el infinito nos deja en claro que si estos eran tiempos de siembra, la cosecha iba a ser más que abundante. Volviendo a los Stones, la influencia del Blues "negro" fue tan grande que hasta su nombre proviene de este género, ya que pertenecía a una canción de Muddy Waters. Las listas de sus primeros shows mostraban un interesante repertorio de covers del mejor blues  americano: Little Red Rooster, Road Runner, Pain in my heart, I can´t be satisfied, entre otros.Así discurrían los shows hasta que los Rolling comienzan a componer sus éxitos. (I can get no) Satisfation fue un sueño de Keith Richards y era originalmente un blues. La fama los encuentra compartiendo escenarios con las grandes figuras que tanto los habían influenciado y en todos los discos de los Rolling, hay un "cupo" para ese género musical que fue su musa inspiradora: el Blues. Algo que supieron respetar a pesar del paso del tiempo y de los cambios de algunos de los integrantes de la banda.
Me voy yendo y he aquí una humilde reflexión al respecto, si los Rolling Stones son LA banda de Rock n'Roll, el Blues detenta el merecido título de Padre.
Hasta la próxima.

 

J.B.W.

"The Soul of a Man" - Win Wenders (2003)

"The Soul of a Man"

Director
Wim Wenders
Productor
Martin Scorsese
Guión
Wim Wenders
Musica
Skip James
Blind Willie Johnson
J. B. Lenoir

¿Cómo hubiese contado el mítico Blind Willie Johnson, de haber podido, la historia del blues? O mejor, ¿cómo hubiese contado Blind Willie Johnson la historia de dos leyendas del blues? ¿Cómo hubiese contado la vida de obra de Skip James y J.B. Lenoir? Esta última pregunta es la que Win Wenders parece hacerse para filmar The Soul of a Man, la segunda del ciclo de películas dedicadas al blues, producidas por Martin Scorsese.
Se trata a todas luces de una película particular, un documental que toma un curioso punto de vista. Un Blind Willie Johnson nos relata (en la voz de Laurence Fishburne) desde un más allá (en un sentido literal, ya que la voz del gran blusero no deja de reparar en el hecho de que algunas de sus canciones se encuentran dentro del Voyager, el satélite lanzado en 1977 y que recorre los confines del espacio) la vida y obra de dos grandes bluseros: Skip James y J.B. Lenoir. ¿Por qué James y Lenoir? No lo sabemos. En las similitudes de ambos quizás encontremos los motivos por los cuales el Blind Willie Johnson de Wenders se decide a contar sus vidas. Ambos nacieron en el estado de Misisipi, ambos tuvieron grandes dificultades para dar a conocer su obra y a ambos se les negó un reconocimiento que no llegó sino tarde. Pero quizás la característica más relevante entre estos dos músicos es la marca que dejaron en el blues. 

Es así que Wenders, entre ficcionalizaciones e íntimas presentaciones de bluseros actuales, nos cuenta la historia de estos dos bluesmen. Nehemiah Curtis "Skip" James nació en Monticello en Misisipi el 5 de marzo de 1929. El azar se metió en la vida un tanto desordenada de un joven "Skip" James moviéndolo a presentarse a lo que entonces se denominaba un "Concurso de talentos". Lo ganó y como premio pudo grabar sus canciones. No vio demasiado dinero de aquellos precarios registros y no fue sino hasta mucho tiempo después que pudo ser conciente de la influencia que había generado en las posteriores generaciones de músicos de blues.
Las letras de aquellas canciones, sencillas pero con un sentimiento difícil de igualar, retrataban, como era de esperarse en esas épocas y como era usual en este género, las difíciles condiciones de vida de los afroamericanos de entonces. Así lo encontramos en uno de los temas más conocidos de James, “Hard Time Killing Floor Blues”:

Hard time's is here
An ev'rywhere you go
Times are harder
Than th'ever been befo' (Los tiempos duros están aquí,
y donde quieras que vayas.
Los tiempos están más duros,
más duros que nunca)

"Skip" James no pudo ver el éxito de sus canciones y abandonó su carrera musical. Siguiendo los pasos de su padre se hizo pastor baptista, hasta que 31 años después es presentado en el festival de Newport de 1964 causando gran revuelo.
Una de las virtudes de la película es la posibilidad de ver a jóvenes (y, algunos, no tan jóvenes) bluseros interpretando –reversionando, sería mejor decir– estas viejas canciones, dando cuenta de la marca que aquel pionero dejó en el blues. Así podemos ver a Lucinda Williams haciendo su versión de "Hard Time Killing Floor", a Alvin Youngblood Hart haciendo lo propio con "Illinois Blues" y a la genial Bonnie Raitt haciendo una sentida versión de "Devil Got My Woman" entre otras presentaciones. Estas intervenciones se intercalan con una teatralización de algunos eventos de la vida de "Skip" James grabadas en blanco y negro, con audio para las canciones pero con intertítulos en los que pueden leerse los diálogos de los personajes que intervienen en la escena. Una particular reconstrucción del cine mudo, del cine de aquellos años en los que "Skip" James realizó su carrera.
Blind Willie Johnson continúa contando la segunda parte de su historia. Ahora es el turno de otro gran hombre de blues, J.B. Lenoir. La película adopta una perspectiva distinta, se vuelve plenamente documental y a partir de entrevistas, películas caseras y escenas de los medios de los sesenta se presenta la obra de J.B. Lenoir. Es con algunas cintas grabadas en los sesenta por dos estudiantes de arte, Steve y Ronnog Seaberg, que es posible recuperar la figura de este músico. Tal como sucedía en la primera parte de la película, también ahora podemos ver homenajes de bluseros (y músicos ajenos al blues) interpretando temas de J.B. Lenoir. Nick Cave and The Bad Seeds haciendo una estridente versión de "I feel so good", Bonnie Raitt (nuevamente) interpretando una versión down tempo de "Round and Round" e incluso Los Lobos colaboran tocando "Voodo Music". J.B. Lenoir exploró a su manera preocupaciones que no pertenecían tradicionalmente al ámbito del blues. "Vietnam Blues" o "Alabama Blues" (en donde relata la situación de la población afroamericana) dan cuenta de esto último.

Qué es el alma del hombre se preguntaba una y otra vez Blind Willie Johnson. Perplejo, pero creyente se preguntaba de nuevo, una y otra vez, qué es el alma de un hombre. "Skip" James y J.B. Lenoir se preguntaron lo mismo, a su manera y en su tiempo. Tal vez nunca encontremos una respuesta a tamaño interrogante. Quizás, si un día tenemos suerte, la respuesta nos llegue desde el otro lado del universo, mientras tanto nos conformamos con seguir escuchando esa pregunta, una y otra vez, en las voces de estos bluseros que nunca se irán del todo.

N.A.

"Feel like going home" - Martin Scorsese (2003)

"Feel like going home" (2003)


Director
Martin Scorsese
Productor
Sam Pollard
Guión
Peter Guralnick
Participaciones
Ali Farka Touré
Corey Harris
Salif Keita
Son House
Taj Majal
John Lee Hooker
Keb' Mo'

La distancia –física o temporal–, la cotidianidad o el simple desconocimiento obstaculizan nuestra percepción. Nada parece escapar a este dictado de la experiencia. Tal vez podríamos decir que el blues no viene sino a confirmar esta sospecha. El blues nace de condiciones terribles y precarias o, tal vez convenga decir, terriblemente precarias. Campos de algodón en donde millares se sometían a los trabajos más extenuantes por poco dinero, inundaciones que hacían perder lo poco que había, segregación racial, y tantos otros azotes que los pobladores tenían que soportar fueron el suelo donde creció esta música. Sólo cuando superamos esas distancias, sólo cuando se conoce la tierra donde crecieron esas melodías, sólo cuando iluminamos las –casi siempre tristes– biografías de aquellos míticos pioneros del blues es cuando nuestra percepción se aclara. Entonces es cuando comprendemos la profunda dimensión de esta música. Martin Scorsese nos lleva de viaje al sur de los Estados Unidos, al lugar donde todo nació, a la cuna del blues. Este viaje emula aquel otro que hiciera Alan Lomax a principios de siglo pasado para grabar las voces y melodías del folklore del sur. Entonces como ahora, era una empresa que buscaba recuperar algo valioso, algo escondido, algo que esta irremediablemente a punto de perderse.
"Feel like going home" es la primera de una serie de películas producidas por Martin Scorsese dedicadas a retratar distintos aspectos del mundo del blues. Esta en particular, la primera como dijimos, cuenta con el privilegio de ser dirigida por el mismísimo director de Taxi Driver, quien es conocido además por ser un gran aficionado al blues. Durante noventa minutos la cámara sigue el viaje del blusero Corey Harris quien emprende una travesía que lo lleva desde el Delta hasta Mali en África para descubrir las raíces y los orígenes del blues. Con un ritmo sostenido a lo largo de toda la película, el trabajo de Scorsese intenta reconstruir (con éxito, según nuestro parecer) aquello sobre los que los antiguos bluseros cantaban. Algo –muy poco– queda de aquella remota época, suficiente para hacernos una idea de aquel ambiente, del lugar donde el blues nació.
El viaje comienza en el Delta. El ambiente rural del Delta moldeó a sus pobladores, sus costumbres, sus expresiones y, por supuesto, su música. El blues, parecería reflejar el paisaje. Son House surgió allí. Su estilo rural, sucio y rítmicamente exagerado es una fotografía musical de aquello. Muy distinto a lo que sería luego el blues urbano, el blues de Chicago. Taj Mahal, uno de los músicos entrevistados, no lo podría haber dicho mejor:

“Este tipo de vida, la manera de vivir de la gente, la intensidad de la época, el Delta, produjeron una música fuerte y enérgica.”

Grandes bluseros del Delta y allegados al blues prestan su testimonio en este documental. Así nos encontramos con Sam Carr, el hijo de Robert Nighthawk, Willie King, Otha Turner e incluso con un fragmento de una entrevista a Johnny Shines, quien fuera músico acompañante de la leyenda, Robert Johnson. Todos ayudan a reconstruir los orígenes del blues en aquellos tiempos hostiles. Todos los relatos tienen un común denominador: las muy precarias y difíciles condiciones que debían afrontar los habitantes de aquellas tierras. Todo aquello se manifestaba en su música, el blues. Willie King refería una interesante anécdota.
 

“Los viejos blues hablaban de la mujer para decir cosas sobre el patrón, los viejos blues sobre la mujer: 'Mi querida es mala', 'No me trata bien', 'Toma todo mi dinero' se referían al patrón, pero había que decirlo así, había que esconder el mensaje”

Los tambores del Mississippi con los que se encontró Lomax evocan otros tambores, lejanos ya en el tiempo y lugar, los tambores y sus ritmos venidos desde África. En Mali es donde continúa el viaje de Corey Harris. Por la misma época en la que Lomax recorría el sur grabando a bluseros, A. S. Abends grababa en África los ritmos que también estaban desapareciendo. En la percusión y en el ritmo es donde África y el blues parecen encontrarse. Allí los "griot" o "jali" eran narradores, contaban sus historias acompañados de música, tal como hacían los bluseros al otro lado del océano. Harris se encuentra allí con músicos como Salif Keita, Habib Koité y Ali Farka Touré. Los lazos y las semejanzas entre estados regiones, entre estas dos expresiones musicales, el blues y la música africana, son mayores de lo que a simple vista parecen. Ali Farka Touré lo dijo claramente al finalizar la película.

“Ya sea en Estados Unidos o en Mali creo que sólo hay ciudades y distancia que nos separan, pero nuestras almas, nuestros espíritus, son los mismos. Son la misma cosa. No hay diferencia.”

N.A.

Blues en Internet - Radios de Blues

Internet es una fuente inagotable de recursos y, sobre todo, de música. Prueba de ello son estas emisoras de radio que durante todo el día transmiten blues. Una buena opción para ponerle un poco de blues a la vida 2.0...

http://www.superbluesradio.com/ - SuperBlues Radio
http://www.ctownblues.com/ - Charlietown Blues
http://www.koqx.com/ - KOQX Internet Blues Radio

Notas sobre Blues - Entrevista a Jack Bruce

Entrevista a Jack Bruce aparecida en el diario Clarín.

http://www.clarin.com/espectaculos/musica/Jack-Bruce_0_798520147.html

Notas sobre Blues - BB King: "Quiero seguir mejorando"

Nota aparecida en el diario Clarín sobre la lyeneda del blues.

http://www.clarin.com/espectaculos/musica/Quiero-seguir-mejorando_0_792520746.html

Biografías - Robert Johnson

Robert Johnson

nacido como Robert Leroy Johnson (8 de mayo de 1911 – 16 de agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues conocido como "El Rey del Delta blues." Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona. Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin,The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, Queen, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido".^[2] Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.^[3] Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence" (Influencias tempranas

Nació en la población de Hazlehurst, estado de Misisipi, Estados Unidos el 8 de mayo de 1911 (aunque probablemente este año sea erróneo), su madre era Julie Ann Majors (Julie Dodds), hija de esclavos que tuvo a su hijo con un jornalero que pasó en esa ocasión por el poblado llamado Noah Johnson tras separarse momentáneamente de su esposo Charles Dodds Jr., un carpintero que gozaba de prosperidad, tiempo después ella regresó con Charles (ahora apellidado Spencer) pero su relación no duró mucho.^[5] Johnson creció con el apellido Spencer, sin saber que Charles no era su padre biológico, y la familia se estableció para 1918 en Robinsonville, años más tarde su madre le confiesa a Robert que es hijo de Noah Johnson, por lo que pasa a adoptar el apellido de su verdadero padre.^[5] Desde pequeño Johnson mostró interés por la música, primero por el arpa y luego por la armónica. Fue enviado al colegio pero no demostró demasiado interés por el estudio, abandonándolo bajo la excusa de un problema en la vista en 1927. En febrero de 1929 contrajo matrimonio con Virginia Travis, de 16 años. Poco después ella quedó embarazada y finalmente murió en el parto junto con su criatura en abril de 1930. Johnson se casó por segunda vez con Esther Lockwood, madre de Robert Lockwood Jr., que más tarde se convertiría también en intérprete de blues, siguiendo las huellas de su padrastro.

Después de varios años actuando por todo el sur de EE. UU., tuvo la oportunidad de dejar registradas sus 29 legendarias canciones. Son 42 grabaciones (13 de los temas fueron grabados 2 veces), registrados en dos sesiones de grabación: la primera en San Antonio (Texas), los días 23, 26 y 27 de noviembre de 1936; la segunda en Dallas (Texas), el 19 y el 20 de junio de 1937. Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Se cuenta que fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Algunos dicen que murió de neumonía, otros que de sífilis. Su certificado de defunción apunta que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi y que no hubo autopsia.

Cuenta una conocida leyenda que Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Misisipi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie.

La técnica guitarrística de Robert Johnson se basa en una evolución del estilo sincopado de Son House, en el que un florido lenguaje de tresillos, glissandos y contrapuntos dialogan con la voz solista sobre un compás 4/4 de la que se encarga el pulgar, martilleando las bordonas. Puede considerarse a Robert Johnson, junto a Blind Willie Johnson, como el gran maestro de la guitarra slide, técnica consistente en deslizar sobre las cuerdas un tubo metálico (antiguamente con un cuello de botella bottleneck), obteniendo un sonido punzante y sinuoso típico de la música afroamericana primitiva).

Afinaciones diferentes de la guitarra

Además de la afinación usual o estándar (mi, si, sol, re, la, Mi), Robert Johnson usa en sus grabaciones al menos otras tres afinaciones:

• Drop D (con la 6.ª cuerda en re en vez de en mi: la afinación de las cuerdas queda mi, si, sol, re, la, Re):
• Malted Milk,
• Open G (re, si, sol, re, sol, re):
• Stones in my passway,
• Walking Blues,
• Crossroads,
• If I had possession over the judgement day,
• Last fair deal gon down,
• Come on in my kitchen,
• Travellin’ Riverside Blues, entre otras)
• Open D (re, la, fa#, rE, la, RE):
• Hellhound on my trail,
• Preachin' blues.

La vigencia del legado musical de Johnson se basa en una peculiar asunción de las estructuras musicales del blues rural anterior a él (Charlie Patton, Son House, Willie Brown, Blind Lemon Jefferson, etc.) y en la fuerza literaria de unos versos que hacen de él uno de los más insignes autores de la poesía popular estadounidense. Hay tres constantes en las letras de Johnson: lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo incesante y los terrores irracionales.^[7]

Yendo un paso más allá de la simple evolución folclórica, las letras de sus canciones conforman un imaginería personal en que se mezclan motivos religiosos, sexuales y festivos que impactan al oyente gracias a una singular precisión poética. En sus canciones emerge un universo personal de expresión y creatividad, no la mera reiteración de clichés tradicionales. Su inimitable estilo vocal, salpicado de escalofriantes falsetes, su generoso sentido de la libertad interpretativa (se han conservado algunas tomas alternativas de sus canciones, que muestran versiones radicalmente distintas de una misma canción en cuestión de minutos, como en el caso de Come on in my kitchen) han hecho de él una isla aparte en la historia del blues.

Su particular estilo como cantante y guitarrista ha sido siempre admirado por artistas como Muddy Waters, Elmore James, Ry Cooder, Keith Richards, Bob Dylan o los integrantes del grupo Led Zeppelin. A través de Muddy Waters y los intérpretes británicos de blues de los años sesenta (John Mayall, Eric Clapton, Peter Green, Rolling Stones, etc.) su influencia es muy notable en el rock. La explícita Lemon song de los Led Zeppelin rinde tributo a una de las estrofas de Me and the devil blues. Eric Clapton ha dedicado recientemente un álbum entero (Me and Mr. Johnson) (el Sr. Johnson y yo) a versionar el repertorio de Robert Johnson; también el guitarrista britanico Peter Green lo ha versionado en un disco llamado "The Robert Johnson Songbook". Los Rolling Stones, Cream, Jimi Hendrix y en especial Eric Clapton han grabado versiones de sus canciones.

Cine

• Crossroads (1986), película de Walter Hill, protagonizada por Ralph Macchio y Joe Seneca, con aparición en el duelo final de guitarra contra Steve Vai.

TV Series

• Se le realizó un homenaje en la serie de ciencia ficción Supernatural emitida por la cadena de televisión CW en el capítulo 8 de la segunda temporada "Crossroad Blues", en el que se lo incorpora como personaje y se mencionan varias de sus canciones.

Discografía

Álbum en estudio

• King of the Delta Blues Singers (1961)
• King of the Delta Blues Singers, Vol. II (1970)
• The Complete Recordings (1990)

Sencillos

Fecha de lanzamiento	Matrix	Canción	Catalog	Fecha	Duración
1936-11-23	SA 2580-1	Kind Hearted Woman Blues	Vocalion 03416	1937	2:49
1936-11-23	SA 2580-2	Kind Hearted Woman Blues	Columbia 30034	1970	2:31
1936-11-23	SA 2581-1	I Believe I'll Dust My Broom	Vocalion 03475	1937	2:56
1936-11-23	SA 2582-1	Sweet Home Chicago	Vocalion 03601	1937	2:59
1936-11-23	SA 2583-1	Ramblin' on My Mind	Vocalion 03519	1937	2:51
1936-11-23	SA 2583-2	Ramblin' on My Mind	Columbia 46222	1990	2:20
1936-11-23	SA 2584-1	When You Got A Good Friend	Columbia 46222	1990	2:37
1936-11-23	SA 2584-2	When You Got A Good Friend	Columbia LP-1654	1961	2:50
1936-11-23	SA 2585-1	Come On in My Kitchen	Vocalion 03563	1937	2:47
1936-11-23	SA 2585-2	Come On in My Kitchen	Columbia 46222	1990	2:35
1936-11-23	SA 2586-1	Terraplane Blues	Vocalion 03416	1937	3:00
1936-11-23	SA 2587-1	Phonograph Blues	Columbia 30034	1970	2:37
1936-11-23	SA 2587-2	Phonograph Blues	Columbia 46222	1990	2:32
1936-11-26	SA 2616-2	32-20 Blues	Vocalion 03445	1937	2:51
1936-11-27	SA 2627-1	They're Red Hot	Vocalion 03563	1937	2:56
1936-11-27	SA 2627-2	Dead Shrimp Blues	Vocalion 03475	1937	2:30
1936-11-27	SA 2629-1	Cross Road Blues	Vocalion 03519	1937	2:39
1936-11-27	SA 2629-2	Cross Road Blues	Columbia 46222	1961	2:29
1936-11-27	SA 2630-1	Walking Blues	Vocalion 03601	1937	2:28
1936-11-27	SA 2631-1	Last Fair Deal Gone Down	Vocalion 03445	1937	2:39
1936-11-27	SA 2633-1	Preaching Blues (Up Jumped the Devil)	Vocalion 04630	1939	2:50
1936-11-27	SA 2634-1	If I Had Possession Over Judgment Day	Columbia LP-1654	1961	2:34
1937-06-19	DAL 377-2	Stones in My Passway	Vocalion 03723	1937	2:27
1937-06-19	DAL 378-1	I'm a Steady Rollin' Man	Vocalion 03723	1937	2:35
1937-06-19	DAL 379-1	From Four Until Late	Vocalion 03623	1937	2:23
1937-06-20	DAL 394-2	Hellhound on My Trail	Vocalion 03623	1937	2:35
1937-06-20	DAL 395-1	Little Queen of Spades	Vocalion 04108	1938	2:11
1937-06-20	DAL 395-2	Little Queen of Spades	Columbia 46222	1990	2:15
1937-06-20	DAL 396-1	Malted Milk	Vocalion 03665	1937	2:17
1937-06-20	DAL 397-1	Drunken Hearted Man	Columbia 30034	1970	2:24
1937-06-20	DAL 397-2	Drunken Hearted Man	Columbia 46222	1990	2:19
1937-06-20	DAL 398-1	Me and the Devil Blues	Columbia 46222	1990	2:37
1937-06-20	DAL 398-2	Me and the Devil Blues	Vocalion 04108	1938	2:29
1937-06-20	DAL 399-1	Stop Breakin' Down Blues	Vocalion 04002	1938	2:16
1937-06-20	DAL 399-2	Stop Breakin' Down Blues	Columbia 46222	1990	2:21
1937-06-20	DAL 400-1	Traveling Riverside Blues	Columbia LP-1654	1961	2:47
1937-06-20	DAL 400-2	Traveling Riverside Blues	Columbia 65746	1998	2:39
1937-06-20	DAL 401-1	Honeymoon Blues	Vocalion 04002	1938	2:16
1937-06-20	DAL 402-1	Love in Vain	Columbia 46222	1990	2:28
1937-06-20	DAL 402-2	Love in Vain	Vocalion 04630	1939	2:19
1937-06-20	DAL 403-1	Milkcow's Calf Blues	Vocalion 03665	1937	2:14
1937-06-20	DAL 403-2	Milkcow's Calf Blues	Columbia 46222	1990	2:20